Haïm Soutine als marкер van de moderne tijd: vlees, pijn en schilderachtige existentialisme

Inleiding: De 'verdoemde' kunstenaar als diagnose van de tijd

Haïm Soutine (1893-1943) werd lange tijd beschouwd als een marginale, maar krachtige figuur van de Parijse school — een 'verdoemde kunstenaar' in de schaduw van Chagall of Modigliani. Echter, in het kader van moderne cultuur en filosofie krijgt zijn werk een status als cruciale marкер van de moderne tijd, die fundamentele wonden en vragen van de 20e en 21e eeuw vooruitloopt. Soutine is niet alleen een expressionist; het is een kunstenaar die door middel van extreme deformatie van vorm en kleur existentiële toestanden van vlees, geweld, honger en pijn heeft onderzocht, waardoor de schilderachtige materie zelf een analogon wordt van een verwonde subjectiviteit. Zijn kunst wordt steeds relevanter in de tijd van posthumanisme, bio-ethiek en een permanent crisis.

1. Van de stetl naar Montparnasse: de genese van het traumatische realisme

De biografie van Soutine is de basis van zijn esthetica. Zijn geboorte in een arme, grote familie in Smilovichi bij Minsk, het religieuze verbod op het afbeelden van levende wezens ('de zonde van het schilderen van een portret van een rabbi', waarvoor hij zwaar werd geslagen), zijn vlucht uit deze omgeving naar Vilnius en vervolgens naar Parijs (1913) — alles vormde de kunstenaar als een vluchteling van zichzelf en zijn lot. Zijn schilderkunst werd een manier om lichamelijke en culturele taboes te doorbreken. Honger en armoede in de eerste jaren in Parijs transformeerden in de obsessieve thema van voedsel als vlees — van varkensvlees tot wild. Soutine schilderde geen still lifes; hij schilderde anatomische landschappen van lijdende materie.

Interessante feiten: Voor zijn beroemde schilderijen met varkensvlees ('Varkensvlees', 1925) kocht Soutine vlees op de slachterij en hing het in zijn atelier op, om het met bloed te gieten voor het behouden van de kleur. Buren, verontrust door de geur, riepen de politie. Soutine smeekte om tijd om het schilderij af te maken, bewerende dat 'de bloed moet een bepaalde kleur hebben'. Dit incident is de sleutel tot zijn methode: schilderkunst als een direct, bijna shamanistisch interactie met het ontbindende vlees, een poging om het leven zelf te grijpen in het moment van zijn vergaan.

2. Esthetica van dismorfie: het lichaam als landschap van lijden

Soutine radicaliseerde en bracht de traditie tot het uiterste, die teruggaat tot Rembrandt en Chardin. Zijn portretten ('Chocolatier', 'Huisvrouw', 'Vrouw in rood') zijn geen psychologische studies, maar fysiologische vervormingen. Gezichten en lichamen zijn vervormd, verkruld door intern spanning, de penseelstreken lijken een slag, de kleur (kinin, smaragdgroen, geel) schreeuwt. Dit is geen expressie van emotie, maar een documentatie van lichamelijke onevenwichtigheden, ziekte, sociale vernedering. Soutine voorzag hier een medische en traumatische kijk op het lichaam, die zo kenmerkend is voor hedendaags kunst (van de werken van Damien Hirst tot Francis Bacon, die openlijk zijn invloed van Soutine erkende).

3. Landschap als psychische projectie

Zijn beroemde 'gekeerde' landschappen van het zuiden van Frankrijk (Cannes-sur-Mer) zijn geen afbeelding van de natuur, maar een visualisatie van een intern wervel, duizeligheid, existentiële angsten. Bomen, huizen, heuvels wrijven in een gemeenschappelijke, lijdende stroom, de grond lijkt te trillen. Dit is een landschap van posttraumatisch bewustzijn, een wereld die zijn stabiliteit heeft verloren — een directe voorloper van abstract expressionisme (De Kooning, Sullitzer).

4. Soutine en filosofie: voorspelling van existentialisme en posthumanisme

Het werk van Soutine is in harmonie met de cruciale filosofische ideeën van de 20e eeuw:

Existentialisme: Zijn kunst is een schreeuw van een in de wereld geworpen, absurd bestaand wezen (mens, dier), veroordeeld tot lijden en dood. Het ontbreken van 'kunst', de cultus van de uitspatting — dit is een esthetisch analoog van de categorie 'misselijkheid' van Sartre, het afkeuren van de valse harmonie van de wereld.

Posthumanisme: Door het lichaam (menselijk en dierlijk) af te beelden als een amorfe, vloeibare, kwetsbare materie, verwijst Soutine de hiërarchie tussen subject en object, levend en dood, op. Zijn varkensvlees zijn geen 'natuurlijke studies', maar een horizontale ontologie, waar de mens en het dier gelijk zijn voor het gezicht van de dood en het geweld. Dit voorziet in speculatieve realisme en de filosofie van het 'vlakke ontologische veld'.

Phenomenologie: Zijn schilderkunst is een fixatie van het directe, pre-reflexieve ervaring — honger, pijn, walging. De dikke, pastoïsche textuur van de verf imiteert de zelfde weefsel van het vlees, waardoor het ervaren tastbaar wordt.

Voorbeeld: De moderne Britse kunstenaar Jenny Saville, die thema's zoals lichamelijkheid, dismorfie en gender onderzoekt, volgt direct de traditie van Soutine. Haar gigantische, vervormde naakte lichamen, geschreven met een dichte, 'vleesachtige' verf, zijn een directe voortzetting van zijn project om het klassieke ideaal te deconstrueren door de hyperbolisatie van het vlees.

5. Soutine en moderne cultuur: van mode tot film

De actualiteit van Soutine wordt bevestigd door zijn vraaggesteldheid buiten het academische kunst om:

Mode: Zijn palet en esthetica van 'onvolmaakte schoonheid' beïnvloeden moderne ontwerpers die een alternatief zoeken voor glanzende standaarden.

Film: Een biografische film over Soutine werd meerdere keren geprobeerd te maken (projecten met de deelname van Emile Cušturiça). Zijn beeld van de 'hongerige, lijdende genie' is een archetyp.

Kunstmarkt: De prijzen van zijn werken bij veilingen breken constant records, wat aangeeft dat zijn centrale, niet marginale rol in de geschiedenis van de moderniteit steeds meer wordt erkend.

6. Problematiseer de marкер: wat maakt Soutine vandaag de dag modern?

Soutine is een marкер van de moderne tijd, omdat zijn kunst vragen stelt die cruciaal zijn voor onze tijd:

Lichamelijkheid en kwetsbaarheid: In de tijd van pandemieën, biotechnologie en digitale virtualisatie wordt het lichaam opnieuw erkend als een fragiel, dode, lijdende substantie. Soutine spreekt hierover.

Trauma en herinnering: Zijn persoonlijke ervaring van armoede, migratie en vervolging (als jood tijdens de oorlog) maakt hem tot een figuur van globale trauma, relevant voor de tijd van crisis van vluchtelingen en collectieve historische traumata.

Etiek van het oog: Zijn schilderijen dwingen de kijker ongemakkelijk te voelen, door hen met wat normaal gesproken verborgen is — met geweld tegen dieren, ziekte, dood. Dit is een uitdaging aan het passieve consumeren van beelden.

Schilderkunst na schilderkunst: Zijn radicaal werk met materiaal, waarbij de verf een equivalent wordt van het vlees, voorzag in het belang van moderne kunstenaars voor de materialiteit van het medium, voor schilderkunst als object, niet als illusie.

Conclusie: Een ongemakkelijke profeet

Haïm Soutine vandaag de dag is niet alleen een expressionistische kunstenaar, maar een ongemakkelijke profeet van de moderne gevoeligheid. Hij heeft de wereld zonder sentimenten voorgesteld, in zijn ruwe, pijnlijke, dierlijke basis. In een tijd die streeft naar sterieliteit, digitaal perfectie en simulacra, herinnert zijn schilderkunst aan de onvermijdelijke materialiteit van het bestaan, aan pijn als een fundamenteel ervaring.

Zijn erfenis is relevant omdat het de mogelijkheid van harmonie en esthetische kalmering in een wereld doordrenkt van geweld en ongelijkheid in vraag stelt. Soutine is een marкер van die moderne tijd die de verlossende mythen afwijst en de disгармониë direct in het oog houdt, de disгармониë zelf maakt tot de taal van een eerlijk uiting over de mens en zijn plaats in een wereld waar het lichaam altijd de laatste en meest pijnlijke realiteit is.

Permanent link to this publication: